Diálogo 10 – To think or not to think

Na última semana, aconteceu o 5º Festival Internacional de Fotografia de Porto Alegre – FestFotoPoa. Acompanhei a programação pelo livestream (esse achatador de distâncias amigo de todos nós) e, particularmente, achei que o festival foi muito bem-sucedido em movimentar nossas cabeças com uma série de encontros e debates estimulantes. O 7 esteve lá, com Ana Lira e Val Lima, como vocês viram nos posts de cobertura do evento, e Priscilla Buhr, convidada para compor a mesa de “Encontros com o autor: Fotograma Livre 2010”, na última sexta-feira.

Essa coisa de encontros com o autor realmente me conquistou. Gosto de ver a pessoa falando sobre seu trabalho, suas reflexões, seu método ou sua falta dele, suas dúvidas – nessa luta contínua entre revelar e se proteger, proteger sua obra. Foram cinco encontros com o autor, entre eles, a mesa dos vencedores do Fotograma Livre 2010, da qual Priscilla fez parte, junto com Alexandre Severo, o outro vencedor na categoria individual, e Carine Wallauer e Gabriel Honzik, vencedores na categoria de trabalho coletivo (vídeo “Quando afundam”, abaixo). A reflexão que deu origem a esse Diálogo #009 surgiu justamente durante essa mesa, que você pode assistir na íntegra no link disponibilizado pelo festival.

Como já dito por Val e Ana Lira, a mesa teve como critério de organização o fato de os participantes terem sido premiados no mesmo concurso, o que acabou provocando uma clara dicotomização entre os trabalhos apresentados. De um lado, Severo e Priscilla, com apresentações processuais e depoitivas sobre os seus trabalhos; do outro, Carine e Gabriel, com apresentações expositivas e breves comentários.

É importante dizer que minha idéia de dicotomização não se baseia em nenhuma análise qualitativa, mesmo porque, amiga de Priscilla como sou, não tenho nenhuma ilusão de analisar imparcialmente o trabalho dela. Mas acho que essa divisão em opostos foi reafirmada pelo discurso de cada um dos participantes e por suas formas muito individuais de lidarem com a fotografia.

Gabriel Honzik

O primeiro a falar foi Gabriel Honzik e acho que o grande destaque do seu depoimento foi o fato de que, em poucos minutos, ele remexeu em algumas das principais vaidades da classe fotográfica. Gabriel que, vale frisar, se define como um “fazedor de filmes” e não um fotógrafo, falou sobre o seu estranhamento em participar de uma mesa de discussão sobre fotografia porque,

“na verdade, não penso muito sobre fotografias. Acho que devo ter lido um livro sobre fotografia na minha vida, então é difícil falar sobre o que é fotografia. Porque afinal, no fim das contas tu aperta um botão e tem uma foto. E hoje fica cada vez mais difícil tu reconhecer uma fotografia boa de uma fotografia ruim”.

Ele comentou também que 90% de suas fotos saíram por acaso, o que explica essa dificuldade em falar do processo de criação. As imagens possuíam uma linguagem lomográfica, com muito desfoque, vinhetagem, pouco controle de luz e cor, num discurso claramente espontâneo, ou experimental.

Carine Wallauer

Carine, como uma boa parceira, seguiu a mesma linha de apresentação mas fez questão de enfatizar sua relação extremamente pessoal e autobiográfica com a fotografia, ressaltando sua dificuldade em se classificar como fotógrafa e falar sobre isso. Achei muito interessante o fato de Carine apresentar as fotos que ela fez para o ensaio ganhador do Fotograma Livre no mesmo “amontoado” em que colocou fotos de viagens e fotos de momentos íntimos entre os dois.

“Eu considero as minhas fotos como um grande álbum da minha vida, que eu vou construindo ao longo dos anos. Fotografia é uma atividade da minha rotina e é um pouco de mim”, afirmou de forma muito suave.

Confesso que, ao mesmo tempo em que recebi com certo impacto e até preconceito o depoimento de Gabriel sobre não pensar em fotografias, entendi melhor o trabalho dos dois na voz de Carine e comunguei muito com esse pensamento. É como se Carine falasse, sem muita pretensão: a fotografia é o que está dentro de nós, no jeito displicente e irresponsável de Gabriel, e nela, em sua colocação íntima e despretensiosa. Tive a impressão de que o trabalho dela era um pouco mais maduro, até por sua intenção em lidar com a imagem fotográfica como parte de seu cotidiano, em contrapartida à desintenção de Gabriel e ao seu interesse declarado em fazer filmes não fotos.

Fiquei muito intrigada com essa relação da fotografia com os conceitos e acabei me perguntando: é preciso conceituar uma imagem para que ela tenha força discursiva, para que ela seja considerada uma boa imagem? Lembrei de Farkas que dizia que a fotografia não precisa de nenhuma justificativa ou explicação, afinal, explicá-la poderia tirar o seu mistério. Para ele, “a fotografia emociona ou não emociona”. Simples.

Fico pensando nessa necessidade de um discurso firmado sobre a própria obra, nessa falsa expectativa de que um autor precisa e chega a ter domínio sobre os discursos surgidos em seu trabalho.  Lembrei de Luiz Carlos Felizardo, que abriu o primeiro encontro com autor do FestFotoPoa deste ano (confira aqui). Em mesa que contou com as participações ilustres de Pedro Vasquez, Rubens Fernandes Jr. e Cristiano Mascaro, Luiz Felizardo pouco disse além de que não tinha ideia do que poderia dizer depois de ter visto seu trabalho ser analisado por essas três figuras super importantes da fotografia brasileira. Falou apenas  do constrangimento de ouvir falar de si, ainda que ele pudesse concordar com algumas coisas do que foi dito. Completou: “a exposição está lá, o que eu quis dizer está lá”.

Como primeiro descobri afeto em palavras para depois reconhecê-lo também em imagens, eu digo sem constrangimento que eu adoro um conceito. Mas gostei dessa falta de conceituação de Carine e Gabriel porque remexe em alguns terrenos delicados, em alguns enquadramentos conservadores meus também. E isso tudo sem pretender nada.

Esses meus questionamentos tomaram proporções maiores quando a apresentação do casal foi seguida pelos discursos de Severo e Priscilla, que dividiram com a gente boa parte do processo de construção dos trabalhos deles, falando sobre a idéia inicial, o amadurecimento durante a produção, as dúvidas, as mudanças na execução, os resultados, a forma de difusão, as adaptações.

É interessante refletir sobre os diferentes relacionamentos com a autoria que essas três apresentações denotam. Em certo momento da palestra, Severo falou sobre a novidade que é para ele a possibilidade de ser autor:

“Me colocar como autor é uma novidade para mim, na verdade. Minha formação é de fotojornalista, mas venho me descobrindo como fotógrafo há um certo tempo. […] A partir do momento em que eu passei a perceber um pouco mais a capacidade de experimentação do meu trabalho, me livrar de pressupostos que são intrínsecos ao fotojornalismo, a partir disso fui fotografar de forma mais livre”.

Dessa forma, Severo afasta um preconceito comum: o de que o trabalho do fotojornalista não é autoral. A autoria, afinal, não está na temática. Ok, mas está onde? Não consigo dizer que a autoria está só no discurso, nem só na intenção – apesar de muito me interessarem esses dois aspectos. Lembro do caso de Eugéne Atget, no final do séc. XIX: fotografando simplesmente para produzir imagens que pudessem ser utilizadas como modelo para ilustradores, arquitetos, desenhistas, Atget criou uma atmosfera muito particular sobre a França de seu tempo e, mais tarde, foi reconhecido como um dos fotógrafos predecessores da fotografia como forma de expressão.

O discurso de uma imagem pode até ser criado no momento do clique, mas só vai surgir no encontro com o olhar do outro. Afinal, imagens são feitas para serem vistas e ecoarem.

Achei muito curiosa a comunhão, na mesa do Fotograma Livre 2010, de formas tão diferentes de lidar com a imagem. Carine e Gabriel parecem fotografar como quem brinca com a câmera, com leveza e sem intenção. Severo e Priscilla falaram sobre fotografar com dor, de forma refletida e sofrida. Mestre Júlio, que participou da mesa de encontro com o autor no domingo, ao lado de Luiz Santos, deu uma declaração que acho que faz uma síntese muito boa sobre essa multiplicidade que compõe e confunde tanto o campo fotográfico: “a fotografia é um todo, ela não pode ser fragmentada, não pode ser dividida […] Porque, senão, a gente termina por podar uma árvore tão bonita”.

A ideia é mesmo essa: a fotografia é feita de muitos tons.